指揮者に見る、「組織・人材」マネジメント力

指揮者になった「きっかけ」は、ベートーヴェンの第九

下野さんは、音楽大学ではなく鹿児島大学を卒業されています。最初から、指揮者になろうとは考えていなかったのですか。

そうなんですよ。ただ小さな頃から音楽が好きで、ジュニア・オーケストラや部活動の吹奏楽部でトランペットを吹いていました。学年が進むにつれて、楽団をまとめて一つの音楽を創っていくこと、つまり「指揮」をすることがとても楽しくなってきたんです。ですが、幼少時から音楽の「英才教育」を受けていたわけではなかったので、プロの音楽家になろうとは全く考えていませんでした。

それが高校3年生の時、ベートーヴェンの「第九」を聴き、音楽の持つ素晴らしさに心底感激しました。漠然とですが将来、音楽に関わる職業に就ければいいなと思うようになりました。ただ、年齢的に考えてこれから音楽大学を受験するのは難しいだろうと。そこで、地元の鹿児島大学の教育学部音楽科に進み、音楽教師になろうと考えたわけです。

大学ではオーケストラに所属し、東京から来た指導者に指揮を学びました。卒業が近くなった時、教員になろうかどうか本当に迷いましたが、やはり自分には音楽しかないと思いました。指導者の方に相談したら、それなら東京に出て、正式に音楽や指揮のことを勉強したほうがいいと言われ、桐朋学園大学の指揮教室で学ぶことにしました。

「強い思い」が大切だということでしょうか。しかし、プロの音楽家としては、相当遅いスタートですね。

楽器演奏者だと難しいかもしれませんが、指揮者では遅いスタートの人も結構いますよ。私の場合は、ここからがプロになるための本当のスタートだという思いで、身が引き締まりました。その後は、イタリアのキジアーナ音楽院でオーケストラ指揮のディプロマを取得し、大阪フィルハーモニー交響楽団指揮研究員として、朝比奈隆先生から指導を受けました。思えば、指揮者としてのデビューも大阪フィルハーモニーでした。

「正指揮者」として求められることとは？

ブザンソンなど有名な指揮者コンクールで優勝し、広く海外でも活躍されるようになったところ、読売日本交響楽団（以下、読響）から「正指揮者」の依頼がきました。

正指揮者という仕事は、分かりやすく言えば「座付き」の指揮者ということ。単に指揮をするだけではなく、年間を通していかにバラエティに富んだプログラムにするかなど、事務局や楽団員たちと意見交換を行い、一緒に企画を考えます。何より、オーケストラとしての読響をいかに魅力あるものにしていくか。それが、客演で招かれる指揮者とは違う部分です。

事実、読響にはさまざまな指揮者が関わっています。また、日ごとに多彩なゲストが加わります。そして、会場に足を運んでくれるお客さまからの大きな期待があります。それにきちんと応えられるだけの「キャパシティの大きな組織」にしていくことが、正指揮者には求められると考えています。

まさに、企業のリーダーやマネジャーに求められている部分と重なるように思います。そもそも、指揮者の役割とは何なのでしょうか。

指揮者は、楽団員に自らの意図を伝えて、共同作業で音楽を創り上げていきます。まずは、演奏する曲に対する自分なりの解釈を理解・共感してもらうことが必要です。そのために、言葉だけではなく身体全体を使ってコミュニケーションを図っていきます。本番までにオーケストラを掌握し、彼らの演奏意欲を湧き立たせ、いかに演奏意図を徹底させていくか、ここに相当なエネルギーを費やします。

ただし、オーケストラは「道具」ではありません。意思や感情を持った人間の集まりなのです。何より、それぞれがプロの演奏家です。プライドがあります。当然、作品に対する思いや自分なりの意見もあるでしょう。そして、読響に関して言えば、いわゆる「巨匠」と呼ばれる指揮者との共演も多く、そこから学んだ「引き出し」も非常に多いことで知られています。

一方、指揮者のキャリアからすれば、私はまだまだ若手の部類でしょう。そうした読響と私との関係性の中で、いかに音楽の方向性を一致させ、より素晴らしい演奏を創り上げていくか。ここが難しくもあり、指揮者としての最高の楽しみでもあります。

オーケストラにおける「マネジメント」のあり方

では、オーケストラの楽団員と音楽を創り上げていく時に、何か心がけていることはありますか。

まず、楽団員とのコミュニケーションをいかに円滑に図っていくか、ということです。その結果としての「信頼関係」の存在。これがなくては、良い演奏はできません。信頼関係を確実なものにするためには、客演で呼ばれた場合と正指揮者とで、やるべきことに大きな違いはありません。ただ、要するコミュニケーションコストはかなり違ってきますね。

私の場合、読響では正指揮者という立場ですから、自然と楽団員と一緒に過ごす時間も長くなります。当然ですが、楽団員の担当する楽器と顔や名前はすべて覚えています。練習場では同じ釜の飯を食べることにもなりますから、彼らの性格や考え方なども分かってきます。お互いに親しみを感じ、気心が知れてくると、オープンに言いたいことが言えるようになってきます。そうすると、リハーサルでの私の意図も伝わりやすくなり、私が何か要求する際にも反応が素早くなります。

ただし、100％言葉で表現できないものが「音楽」です。自分のイメージを的確に伝えるためには、むしろ言葉を使わないほうがいい時があるのです。実際、言葉だけに頼りすぎるとお互い疲れてしまう。言葉が過ぎると、反発されることもあります。だから、指揮棒を使い、全身で表現します。

ただし、「方針」や「方向性」については明確に言葉で伝えることが必要です。もちろん言い方の問題はあると思いますが、これは譲ってはいけない部分です。

指揮者に限りませんが、組織をまとめる立場にある人は、身体はもちろん、心や雰囲気で伝えるものと言葉で伝えるもの、これらのバランス感覚が非常に大切になってくると思います。

また、指揮者と楽団員の関係でいうと、あるオーケストラではうまくいった方法が、別のオーケストラでもうまくいくとは限りません。このあたりは、現場で1回1回学んだ経験がより重要となってきます。

なるほど。風土や社風というのは、組織によって違いますからね。「このやり方がベスト」というものはなかなかありません。

その点で、「巨匠」と呼ばれる方たちは、圧倒的な存在感で多くのことを理解させ、伝えることができるので羨ましい限りです（笑）